Ernest Chausson (1855-1899) - Poème, Op.25
Chausson était un compositeur français dont la carrière prometteuse a été interrompue par sa mort prématurée à l'âge de 44 ans. Après avoir terminé ses études de droit, il est allé étudier la composition au Conservatoire de Paris avec Massenet et Franck. Il a travaillé jusqu'à la mort de la Société Nationale de Musique, une organisation qui promeut la musique française.
Sa production de composition était petite, mais significative. L'une des œuvres qui se démarque est le Poème pour violon et orchestre. Cette œuvre à mouvement unique a été publiée en 1896, à la demande du violoniste belge Eugène Ysaÿe. Il est basé sur Le Chant de l'amour triomphant ( Le Chant de l'amour triomphant ) du romancier russe Ivan Turgenev, qui raconte l'histoire de deux jeunes hommes tombés amoureux de la même femme.
La pièce commence dans une ambiance sombre et sombre, et le violon entre avec une déclaration intime semblable à la cadence. La musique devient bientôt plus passionnée, et la partie de violon se transforme en un affichage émotionnel de mélodies lyriques et de passages virtuoses. Le violoniste Vincent P. Skowronski a donné les conseils suivants aux violonistes qui tentaient de jouer cette pièce:
«Poème est une expérience de jeu longue, difficile et captivante, vous devez donc économiser autant d'énergie que possible. Mais, dépensez autant d'énergie que votre palette kaléidoscopique peut gérer, car vous avez rarement l'occasion de rouler en roue libre avec une telle quantité de splendeur violoniste. »
Vadim Repin joue Poème de Chausson
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - L'alouette ascendante
The Lark Ascending (1881) est un poème de George Meridith, qui raconte l'histoire d'une alouette chantant une chanson céleste. Il a inspiré Vaughan Williams pour composer une pièce musicale du même nom pour violon et piano en 1914, et l'a ensuite restaurée pour violon et orchestre en 1920. Cette pièce était dédiée à la violoniste britannique Marie Hall, qui a créé les deux versions. Depuis, elle est devenue une pièce populaire, surtout en Grande-Bretagne, où elle est régulièrement jouée.
Le compositeur a cité les lignes du poème en feuillet de sa partition. La musique est très évocatrice et a montré des traits de l'impressionnisme. L'utilisation d'échelles pentatoniques, de modes et de rythmes fluides crée une atmosphère fortement associée au paysage anglais. Composée à l'époque de la Première Guerre mondiale, la sérénité de la musique contredit la situation de l'époque. Cette pièce était devenue une représentation du style anglais à une époque où le pays tentait d'établir une identité nationale.
Janine Jansen joue The Lark Ascending de Vaughan Williams
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, Op.40
La Danse Macabre, également connue sous le nom de Dance of Death, était à l'origine une chanson d'art pour voix et piano basée sur le texte d'Henri Cazalis. En 1874, Saint-Saëns en a fait un poème musical pour orchestre avec une partie de violon solo proéminente, généralement jouée par le violon solo.
La musique commence par douze notes répétées de la harpe, signalant que l'horloge a sonné à minuit. Le violon solo entre alors avec le triton - souvent connu sous le nom de diable en musique, avec les cordes ouvertes dans lesquelles la corde en mi a été réglée en mi bémol ( scordatura ). Les thèmes énigmatiques de la danse étaient ensuite transmis à différentes sections d'instruments, avec une intensité et une énergie croissantes. Une citation de Dies Irae - un requiem généralement entendu lors d'un enterrement, peut être entendu au milieu de la pièce. Vers la fin, la pièce change brusquement avec un motif de hautbois qui ressemble à un corbeau de coq et suivi d'une mélodie calme en ton majeur jouée par le violon solo, ce qui suggère que l'aube se lève.
Saint-Saëns - Danse Macabre, Op 40
Leonard Bernstein (1918-1990) - Sérénade après le Symposium de Platon
La sérénade de Bernstein après le Symposium de Platon a été composée pour violon solo, cordes, harpe et percussions en 1954. Il peut être considéré comme un concerto en cinq mouvements pour violon. Le Symposium est un texte philosophique de Platon, qui dépeint un dialogue fictif par un groupe d'hommes notables sur le thème de l'amour. Bernstein a nommé chaque section de sa musique à un conférencier du symposium.
La Fondation Koussevitzky a commandé cette œuvre et Bernstein a dirigé la première en 1954 avec Isaac Stern comme soliste. Il est incroyablement difficile pour le violoniste et l'orchestre en raison de son mètre changeant fréquemment et de son rythme rythmique imprévu. La minutie de Bernstein peut être vue tout au long de la partition, dans ce qui est considéré comme l'une de ses plus belles œuvres de salle de concert.
Bernstein a écrit le commentaire suivant sur sa sérénade:
I. Phaedrus — Pausanias (Lento — Allegro): Phaedrus ouvre le symposium avec une oraison lyrique à la gloire d'Eros, le dieu de l'amour. (Fugato, commencé par le violon solo.) Pausanias continue en décrivant la dualité de l'amant et du bien-aimé. Cela s'exprime dans une sonate-allegro classique, basée sur le matériau du fugato d'ouverture.
II. Aristophane (Allegretto): Aristophane ne joue pas le rôle de clown dans ce dialogue, mais plutôt celui du conteur au coucher, invoquant la mythologie des contes de fées de l'amour.
III. Erixymaque (Presto): Le médecin parle de l'harmonie corporelle comme d'un modèle scientifique pour le fonctionnement des modèles d'amour. Il s'agit d'un fugato scherzo extrêmement court, né d'un mélange de mystère et d'humour.
IV. Agathon (Adagio): Peut-être le discours le plus émouvant du dialogue, le panégyrique d'Agathon embrasse tous les aspects des pouvoirs, des charmes et des fonctions de l'amour. Ce mouvement est une simple chanson en trois parties.
V. Socrate — Alcibiade (Molto tenuto — Allegro molto vivace): Socrate décrit sa visite chez le voyant Diotima, citant son discours sur la démonologie de l'amour. Il s'agit d'une introduction lente d'un poids plus important que n'importe lequel des mouvements précédents et sert de reprise très développée de la section centrale du mouvement Agathon, suggérant ainsi une forme de sonate cachée. La célèbre interruption d'Alcibiades et de son groupe de fêtards ivres inaugure l'Allegro, qui est un rondo étendu allant de l'agitation à la musique de danse jiglike à la célébration joyeuse. S'il y a une touche de jazz dans la célébration, j'espère qu'elle ne sera pas considérée comme une musique de fête grecque anachronique, mais plutôt l'expression naturelle d'un compositeur américain contemporain imprégné de l'esprit de ce dîner intemporel.
"Les oeuvres d'art font des règles; les règles ne font pas des oeuvres d'art." - Claude Debussy
