L'intensité passe comme un câble d'acier à travers l'album de Daniel Adam, Where the Waves Meet . Il y a aussi une ombre spectrale qui remplit l'arrière-plan de l'album, hantant toute la musique. Même dans les moments de beauté qui existent lorsque le piano délicat porte les pistes, cette ombre persistante répand des sentiments de malaise et de tension à travers chaque piste. Quand Adam chante, sa voix chuchote et ce contraste ne fait que contribuer au sentiment de déséquilibre qui imprègne cet album.
J'ai bien aimé le mélange de cordes et de sons choraux que Daniel Adam a ajouté à Where the Waves Meet. Il y a une grâce et une élégance inhérentes à ces sons, même lorsque les moments choraux sont profondément lourds et puissants. Il y a un sentiment «organique» qui contraste avec le son technologique des synthés et donne de la chaleur à ce qui pourrait autrement être un paysage sonore trop sombre.
La dynamique est un élément crucial de la musique orchestrale, mais est souvent négligée par les créateurs de musique dans d'autres genres, mais ce n'est pas le cas avec cet album. Adam utilise des contrastes dynamiques pour donner plus de vie à sa musique. Le sens de la croissance et de l'expansion à mesure que la musique atteint un sommet puis diminue progressivement en volume donne vie à la musique. Cela ajoute à la puissance de la musique lorsque tout n'est pas réglé à un volume constant et que nos oreilles (et notre cerveau) éprouvent plus de textures sonores.
Il y a une sensation cinématographique sur des morceaux comme «Are You There» et «Until The Sky Turns Blue». La combinaison de cordes, de mélodies puissamment croissantes et l'utilisation de sons de caisse claire et de timbales contribuent à créer un sentiment de drame flimique et de conflit. L'intensité et la superposition des sons ajoutent également à une impression de son massif qui enveloppe l'auditeur et l'emporte.
Il y a deux pistes sur lesquelles Adam chante et sa prestation sifflante, presque chuchotée, continue d'augmenter le sentiment de quelque chose de troublant et sombre imprégnant les différents éléments de Where the Waves Meet . Bien sûr, le contenu lyrique lui-même a une nuance dérangeante qui ne peut que contribuer à informer la sensation d'inconfort qui rayonne de cet album. Il y a beaucoup de nuances dans la musique que j'ai aimé expérimenter.
Je profite de l'occasion pour regarder les morceaux de cet album qui m'ont le plus intrigué et parler un peu de la raison pour laquelle j'étais si intriguée maintenant.
Une simple série d'arpèges de piano commence à tourner en spirale à travers "Are You There" avant des moments de percussions et de basses puissantes dans la piste. La combinaison d'un son de chœur masculin et de cordes pleines balayant la piste a créé une intensité dans la piste qui n'a d'égale que la mélodie triomphale du synthé qui entre en scène. Cette mélodie, néanmoins, est toujours teintée de mélancolie. Les cordes qui montent en flèche et le battement de caisse claire implacable construisent le drame pur de la piste. Il monte en un crescendo tonitruant avant de revenir lentement aux arpèges de piano puis de disparaître.
"Stay" est une piste avec un son spacieux et plein et un rythme répétitif qui est reflété par les sons de synthé dans la piste. La voix de Daniel Adam chuchote dans les houles chaudes de son, sifflantes et douces. Il y a un désir ardent et douloureux dans les paroles, un sentiment d'atteindre. Il s'agit d'une piste qui utilise des couches de son pour créer des motifs entrelacés. J'ai apprécié la façon dont Adam a créé un «battement de cœur» pour la piste autour de laquelle les sons se mélangent.
Les motifs de piano délicats sont autonomes car «Jusqu'à ce que le ciel devienne bleu» commence avant qu'ils ne soient rejoints par de longues notes de cordes soutenues uniques qui donnent une sensation d'allongement à la musique et un chœur féminin chante des notes angéliques qui soutiennent également. Une puissante combinaison de caisses claires insistantes et de guitare électrique augmente la tension dans ce morceau. J'ai apprécié la mélodie édifiante portée par la guitare électrique sur cette piste.
Le son massif que Daniel Adam crée à partir des percussions, de la basse, de la guitare, de la corde et du chœur prend des proportions immenses avant de revenir lentement à de simples arpèges de piano et à ce délicat chœur éthéré.
«Love Is Control» commence avec de solides succès de timbales et une ligne de piano répétitive. Le rythme dynamique et les cordes qui jouent à nouveau des balayages sonores soutenus ajoutent de l'énergie à cette piste. Le chœur masculin chante des notes simples avant de se fondre dans un seul synthé qui saute et bégaie un vide de basse bourdonnante. Au fur et à mesure que la piste progresse, le chœur commence à prendre un sentiment plus exalté et à la fin de la piste, il y a un sentiment plus optimiste qui s'exprime. Les contrastes de ce morceau sont l'élément que j'ai le plus apprécié.
L'endroit où les vagues se rencontrent offre une variété intéressante de sons et d'émotions. L'interaction de la tension, de la libération et du poids émotionnel est complexe dans toutes les pistes et j'ai particulièrement apprécié l'utilisation de ces sons de cordes et de chœurs pour ajouter de la profondeur. Il me restait encore un profond sentiment d'ombre et d'obscurité imminente, même dans les parties les plus triomphantes de l'album. Là où les vagues se sont réunies, j'ai voulu revivre cette obscurité après l'avoir entendue une fois.
