Peut-être la plus vieille blague musicale de tous est l'histoire du touriste de New York qui a demandé à un chauffeur de taxi comment se rendre au Carnegie Hall.
La réponse (pour ceux qui n'ont pas encore entendu celui-ci) était «Pratique, pratique, pratique!» Bonne réponse, compte tenu de l'idée que la maîtrise d'une compétence complexe prend généralement environ 10 000 heures, soit 5 ans de 40 heures de travail!
Mais la vérité est que ce n'est pas vraiment 10 000 heures - comme le Code du pirate, ce chiffre de 10 000 heures est «davantage une ligne directrice». Entraînez-vous plus intelligemment et vous vous améliorerez plus rapidement. Voici quelques conseils simples pour y parvenir.
Astuce un: pratiquez pour une raison!
Et pas une raison générale boiteuse non plus. Vous voulez accomplir quelque chose de spécifique lorsque vous vous entraînez. Décomposons-le. Les musiciens pratiquent trois types de choses:
1) Pratique technique. Ils apprennent des habiletés physiques, construisent un conditionnement physique spécifique tel que la «lèvre» d'un joueur de cuivres ou la force des doigts d'un guitariste, ou apprennent des matériaux musicaux tels que des gammes, des arpèges et autres.
2) Pratique pour résoudre les problèmes. Cela signifie jouer les parties dures d'un morceau, celles qui ne sonnent pas (encore!) Comme vous le souhaitez.
3) Pratique pour la continuité. Cela signifie apprendre à jouer ou à chanter à travers la musique que vous avez l'intention de jouer sans vous arrêter ni hésiter. C'est le genre de pratique qui ressemble le plus à la performance et c'est important. Malheureusement, c'est le seul type de pratique que certains d'entre nous pratiquent jamais - «malheureusement» parce que faire un seul type de pratique n'est pas un bon moyen de s'améliorer rapidement.
Voyons comment fonctionne cette façon de voir la pratique. Voici trois situations courantes. Pouvez-vous faire correspondre chaque situation avec le type de pratique requis?
- A) Un étudiant de bande doit apprendre six gammes principales, avec leurs arpèges, pour le prochain «off-off». (Test de lecture.)
- B) Un groupe de garage doit apprendre trois nouvelles chansons que son chanteur a écrites pour son prochain concert. Ils ont pratiqué toutes les parties séparées pendant l'écriture et l'organisation des sessions qu'ils ont faites en groupe. Ils ont juste à peaufiner les chansons pour le montrer pour qu'ils sonnent vraiment, vraiment bien.
- C) Un étudiant en musique d'université se prépare pour le concours de concerto de l'École de musique, qui, au moyen d'un prix, offre une performance en soliste avec l'orchestre de l'École et une bourse de 500 $. Mais il y a une section dans les mesures 33-37 qui semble toujours sonner, hors du temps, ou les deux.
Si vous avez dit:
A) - Pratique technique; B) - Pratique pour la continuité; et C) —Pratique pour résoudre les problèmes, alors vous avez l'idée. Sinon, voici pourquoi cela se décompose de cette façon.
En A), l'élève essaie d'absorber les écailles et les arpèges. (Son professeur espère qu'ils sont suffisamment bien absorbés pour que le jeu de l'élève s'améliore en général.) C'est-à-dire l'apprentissage du matériel musical, ainsi que des mouvements physiques qui vont avec, afin que les motifs musicaux et physiques puissent être utilisés librement et en toute confiance dans des situations de performance. C'est une pratique technique.
En B), le groupe essaie d'apprendre à passer ses chansons en douceur et en toute confiance. Ils veulent botter les fesses, pas seulement trébucher! Ils ont déjà compris les détails; ils essaient de rassembler les pièces de la manière la plus convaincante possible. Ils pratiquent pour la continuité.
Ils essaient également de construire leur propre confiance dans leur capacité à «traverser» la pièce, donc dans un sens, ils essaient de prouver quelque chose à eux-mêmes. Malheureusement, certains musiciens se sont accrochés à cette partie. Ils sont tellement occupés à prouver qu'ils sont prêts qu'ils négligent la résolution de problèmes dont ils ont besoin pour être réellement prêts.
En C), l'élève connaît la pièce, mais elle essaie de trouver un problème - pourquoi a-t-elle les difficultés qu'elle rencontre et que peut-elle y faire? De toute évidence, c'est la pratique pour résoudre des problèmes spécifiques.
Ce genre de pratique est souvent évité - parfois même par ceux qui pensent le faire, mais qui font vraiment quelque chose qui ressemble plus à une pratique de continuité. C'est peut-être parce que la vraie résolution de problèmes nécessite de la patience avec soi-même et le courage d'admettre qu'il y a un problème en premier lieu. Mais c'est aussi le plus amusant, d'une certaine manière, car le défi de trouver quelque chose peut être un peu comme un jeu ou un puzzle. Pour certaines personnes, ce type de pratique peut être presque addictif.
Dans chacun des cas, cependant, il y a une raison à cette pratique: le musicien ou le groupe essaie de faire quelque chose de spécifique. Et ils le feront plus rapidement, en moyenne, s'ils gardent leur objectif à l'esprit. Donc:
Soyez déterminé!
Astuce Deux: Concentrez-vous, au moins autant que vous en avez besoin!
Chacun des trois types de pratique appelle à la concentration:
- Si vous pratiquez pour la continuité, vous voulez vous assurer que vous gardez une image mentale forte de la pièce, et où vous en êtes;
- Si vous vous entraînez à résoudre des problèmes, vous devez vraiment écouter le son que vous faites et le comparer au son que vous voulez faire, et vous devez vraiment réfléchir à la façon de faire mieux correspondre les deux ;
- Et si vous pratiquez des exercices techniques, vous devez vous concentrer suffisamment pour vous assurer que vous les faites correctement, sinon vous développez de mauvaises habitudes qui vous retiendront et qui peuvent même entraîner des blessures physiques. Cependant, la concentration nécessaire peut varier. Si vous faites un exercice de conditionnement que vous avez fait des centaines de fois, cela ne prendra pas autant qu'un exercice destiné à aider à construire une technique de jeu qui est toute nouvelle pour vous. Je connais des gens qui ont pratiqué la balance en regardant la télévision.
Utilisez votre propre bon sens, mais:
Concentrer!
Troisième conseil: ralentissez!
Il s'agit principalement d'une astuce pour la résolution de problèmes. Lorsque vous résolvez un problème dans une pièce ou une étude, vous essayez d'apprendre à contrôler le point problématique. La meilleure façon de prendre le contrôle est de ralentir - de ralentir presque tous les mouvements physiques, et presque tout le monde peut le faire. Faites-le beaucoup lentement, puis un peu plus vite, et répétez le processus. Si vous restez avec, avec le temps, vous le brûlerez.
J'ai presque écrit « et bientôt tu vas le brûler», mais ce n'est pas nécessairement vrai. Je me souviens de moments où il semblait que je pratiquais quelque chose depuis ce qui semblait être l'éternité - des mois, voire des années - et avec peu d'amélioration à montrer.
Et je me souviens avoir abandonné certaines choses, pensant qu'il devait y avoir quelque chose de mal avec moi quand il s'agissait d'apprendre cette chose. Mais je crois maintenant que je n'ai tout simplement pas persisté assez longtemps. Dans les cas où j'ai persisté, je me suis amélioré. Beaucoup, beaucoup mieux, en fait. Vous aussi.
Un autre sous-conseil ici: ralentissez le tempo pour tout le problème, mais gardez ce tempo constant. Il peut sembler stupide de tenir une longue note au milieu d'un point problématique, mais si vous vous obligez toujours à le faire, votre sens du rythme vous en remerciera. L'utilisation d'un métronome pour garder ce tempo lent honnête peut vous aider. De plus, de cette façon, vous pouvez augmenter progressivement le tempo du métronome et vous serez mieux en mesure de dire que vous vous améliorez vraiment. Ensuite, vous ne vous découragerez pas aussi rapidement.
Ralentir!
Astuce quatre: changez-le!
Un compagnon de Tip Three. Une autre bonne façon de vous contrôler un point chaud est de le changer! Le moyen le plus simple est de le raccourcir: essayez de pratiquer quelques notes d'un morceau difficile, peut-être en les «bouclant» encore et encore. De cette façon, vous pouvez obtenir beaucoup de pratique sur exactement le morceau dont vous avez besoin pour pratiquer, très rapidement.
Mais vous pouvez aussi le changer par d'autres moyens. Par exemple, vous pouvez retirer certaines notes — des notes de grâce, des notes sur le rythme ou autre. Cela peut sembler un peu fou, mais cela peut vraiment aider. L'une des raisons est qu'elle peut rendre le cadre rythmique beaucoup plus facile à saisir; un autre est qu'il peut vous permettre de vous détendre un peu et de vous concentrer vraiment sur les notes que vous jouez.
Ou vous pouvez insérer des pauses, ce qui rend les notes difficiles pour que vous «atterrissiez». Lorsque vous atterrissez sur une note difficile, vous la maintenez, vous laissant le temps de l'écouter et de ressentir l'effort physique de jouer cette note. Lorsque vous savez exactement comment une certaine note sonne et se sent, vous en avez le contrôle.
Voici quelques exemples de modification:
Les transposants qualifiés - et ceux qui aspirent à l'être - peuvent pratiquer des passages dans différentes tonalités. Le légendaire trompettiste de Chicago Symphony «Bud» Herseth en est un grand défenseur.
Alors n'ayez pas peur de
Changez-le!
Astuce cinq: Obtenez des commentaires!
Certains d'entre nous ont tendance à pratiquer dans une sorte de vide: nous passons en revue les choses, et peut-être nous écoutons, mais nous n'utilisons pas autant que possible la vérification extérieure. Et donc nous ne nous améliorons pas autant que nous le pouvions.
La façon la plus évidente de vérifier ce que nous faisons est de demander à quelqu'un qui sait. Votre professeur de musique est un excellent choix en tant que critique; parfois les camarades de groupe sont aussi un excellent choix. (Surtout ceux qui se soucient plus de la musique que de vos sentiments.)
Les enregistrements audio et vidéo sont de plus en plus populaires en tant que «critiques». Entendre quelque chose de `` l'extérieur '' peut nous aider à être un meilleur critique pour nous-mêmes - il est surprenant de voir avec quelle clarté vous entendez des choses sur votre jeu sur un enregistrement que vous n'avez pas entendu du tout lorsque vous jouiez réellement.
Mais les meilleurs contrôles quotidiens sont le métronome et l'accordeur. Jouer sur un métronome vous fera rapidement savoir si vous gardez du bon temps ou non. Et l'utilisation d'un tuner peut vous faire savoir si vous jouez plus faux que vous ne le pensiez. (Bien sûr, il existe d'autres options le long de cette ligne, il existe maintenant un logiciel d'entraînement, et le bon vieux clavier peut également vous aider à régler si vous l'utilisez.)
L'essentiel, c'est que peu d'entre nous sont aussi bons que nous le pensons, alors vérifiez l'impression que vous donne votre oreille.
Avoir un retour!
Astuce Six: Laissez les erreurs disparaître!
Je sais que cela ressemble à l'opposé de ce que je viens de dire, mais le cinquième conseil concernait la résolution de problèmes, et nous allons maintenant parler davantage de la pratique de la continuité. Il est vrai que lorsque vous résolvez des problèmes, vous devez être attentif aux erreurs afin de pouvoir les corriger. Mais lorsque vous vous entraînez pour la continuité, vous devez également vous entraîner à ignorer les erreurs.
En effet, les erreurs peuvent être une énorme distraction dans les performances. Dès que vous pensez «Oups, j'ai foiré», vous perdez votre concentration sur la musique que vous jouez. Vous êtes concentré sur vous-même. Peut-être que vous vous battez: "Comment pourrais-je faire une chose comme ça?"
Mais dans les deux cas, vous ne pensez pas à ce qui va suivre.
Danger! Musique flubée à venir!
Donc, lorsque vous vous entraînez pour la continuité, vous devez vous entraîner à rester concentré sur la musique elle-même et sur la façon dont elle se déroule. Si vous faites une erreur, continuez à jouer. En d'autres termes,
Laissez les erreurs disparaître!
Astuce Sept: Continuez à penser à la musique, même si vous ne pouvez pas continuer à la jouer!
Accrocheur, mais qu'est-ce que cela signifie?
Eh bien, si - à Dieu ne plaise - vous commettez réellement une erreur, la chose que vous ne voulez pas faire par-dessus tout est de perdre votre place. Si vous arrêtez de jouer, c'est mauvais - mais si vous savez toujours où vous en êtes dans la musique, vous pouvez revenir en arrière. Si vous êtes perdu, cependant, d'autres erreurs sont très susceptibles de suivre avant de savoir où vous êtes.
Lorsque vous pratiquez pour la continuité, alors, vous voulez construire à la fois une image mentale forte de la façon dont la pièce se déroule - certains musiciens ont appelé cela la «ligne traversante» - et votre capacité à rester avec cette ligne traversante épaisse et mince . Une façon de le faire est d'arrêter intentionnellement de jouer tout en pratiquant pour la continuité, tout en imaginant le son de la musique pendant que vous comptez dans la partie «silencieuse». Par exemple, vous pouvez jouer toutes les autres mesures en imaginant les mesures entre les deux.
C'est un excellent exercice pour
Continuez à penser à la musique!
Astuce huit: Gardez-le détendu!
Ci-dessus, j'ai écrit comme si la pratique de la continuité devait toujours être une mini-performance. Mais pas toujours! Vous pouvez ne pas être physiquement ou mentalement prêt à traverser une pièce en particulier. Dans ce cas, il est préférable de pratiquer la continuité par sections.
Ceci est particulièrement important lorsque l'endurance physique est impliquée. Toujours commencer au début d'un morceau et travailler jusqu'à la fin peut conduire à apprendre que la fin est synonyme de fatigue physique et de tension. Pour vaincre cela, essayez de pratiquer la pièce pour la continuité par sections, mais en commençant à la fin et en travaillant vers le début.
Une autre variante consiste à inclure des «sections imaginées», comme décrit dans le septième conseil. Il y a sans doute d'autres possibilités. Mais trouvez un moyen de
Gardez-le détendu!
Astuce neuf: Gardez le tempo — ou les tempos — honnête!
Je sais que je me répète ici, car j'ai déjà préconisé l'utilisation d'un métronome dans Tip Five, mais une partie de la ligne d'une pièce maintient le tempo là où il doit être. Il peut être constant pour l'ensemble de la pièce - auquel cas l'utilisation d'un métronome est facile - ou il peut varier considérablement. Dans ce cas, le moyen le plus pratique de vérifier le tempo est d'utiliser un logiciel d'accompagnement ou un enregistrement de la musique. Mais, quelle que soit la façon dont vous le faites, il est extrêmement important de vérifier le tempo lorsque vous polissez une pièce pour la performance.
Gardez le tempo honnête!
Astuce dix: Prenez soin de votre corps!
J'ai gardé le conseil le plus important pour la fin. Il existe plusieurs façons d'appliquer cette astuce.
Premièrement, votre corps fait partie de votre instrument. (Si vous êtes chanteur, c'est tout votre instrument!) Par conséquent, pour jouer de votre mieux, vous devez aussi maintenir votre corps. Je me souviens d'un tromboniste, par exemple, qui a dit que ses meilleures séances d'entraînement commençaient toujours par une course d'un mile. Une bonne nutrition, du repos et l'évitement d'un mode de vie malsain ne feront pas automatiquement de vous un grand musicien, mais ils peuvent donner à votre talent et à votre travail acharné un avantage concurrentiel supplémentaire.
Deuxièmement, une mauvaise pratique (ou une mauvaise performance) peut être dangereuse pour votre santé. Les traumatismes liés au stress répétitif sont un vrai problème chez les musiciens professionnels et ne sont pas inhabituels chez les étudiants et les amateurs. Ils peuvent être douloureux, coûteux, voire interrompre une carrière.
Mais la bonne nouvelle est qu'ils peuvent être minimisés en utilisant une bonne technique de jeu. (Cela semble prêche, mais la technique de jeu est conçue et s'est développée en partie pour être physiquement réalisable pour les joueurs. Cela fait partie de notre héritage de `` sagesse culturelle '' en tant que musiciens, et nous l'ignorons à nos risques et périls.)
Il est également important de prêter attention à l'aspect physique de notre jeu. Bien que nous devions certainement apprendre à faire des choses qui peuvent ne pas être physiquement confortables au début, lorsque nous ressentons une fatigue excessive dans des muscles spécifiques, des douleurs persistantes, une diminution de l'amplitude des mouvements ou une faiblesse musculaire, nous devons prêter une attention particulière et reconsidérer ce que nous faisons avant de subir de vraies blessures.
Prenez soin de votre corps!
Résumons-le:
Astuce un: pratiquez pour une raison! ( Sachez ce que vous essayez de faire.)
Astuce deux: Concentrez-vous, au moins autant que vous en avez besoin. (Alors faites-le.)
Troisième conseil: ralentissez! ( Mettez-vous en contrôle du tempo.)
Astuce quatre: changez-le! (Mettez-vous en contrôle de la structure de la musique - vous n'avez pas toujours besoin de la pratiquer exactement comme elle est sur la page. Parfois, il est intelligent de la «baisser».)
Astuce cinq: Obtenez des commentaires! (Assurez-vous de bien faire les choses: utilisez l'accordeur, le métronome, l'ordinateur, les enregistrements et (bien sûr) les enseignants et les critiques.)
Astuce Six: Laissez les erreurs disparaître! (Ce ne sera jamais parfait, mais ça peut quand même être une belle musique. Que ce soit réel et que ça passe.)
Astuce Sept: Continuez à penser à la musique, même si vous ne pouvez pas continuer à la jouer! (Accrochez-vous simplement à la «ligne directe».)
Astuce huit: Gardez-le détendu! La musique est belle quand elle coule, alors ne la raccrochez pas avec inquiétude et stress.
Astuce neuf: Gardez le tempo - ou les tempos - honnête! ( C'est plus difficile à faire que vous ne le pensez, alors vérifiez votre (vos) tempo (s)!)
Astuce dix: Prenez soin de votre corps! (C'est le seul que vous ayez, n'est-ce pas? La musique est bonne pour vous, mais pas si vous la faites mal. Et votre corps est bon pour la musique, mais pas si vous l'utilisez mal. Alors «attention!» Faites attention à ce que ça fait de jouer ou de chanter - et de le réparer s'il fait mal ou provoque une faiblesse ou une tension!)
Voilà: dix conseils pour vous aider à garder votre musique amusante, en sécurité et à rendre votre temps de pratique aussi productif que possible.
J'espère qu'ils travailleront pour vous comme ils l'ont fait pour moi et vous apporteront autant de satisfaction qu'eux. Surtout, j'espère qu'ils vous aideront à apporter la beauté, l'énergie, la joie, l'excitation et l'illumination à un monde qui en a besoin!
